Introduction
La série des 'Tournesols' est l'une des œuvres les plus célèbres et reconnaissables de Vincent van Gogh, et un pilier de l'art moderne. Elle incarne la quête de l'artiste pour créer un langage visuel expressif par la couleur et la texture. Van Gogh a peint ces natures mortes dans l'anticipation de la visite de son ami et collègue Paul Gauguin, souhaitant décorer sa chambre à coucher de la 'Maison Jaune' à Arles. Plus qu'une simple représentation florale, ces toiles sont des manifestes de son art, explorant les variations de lumière, la symbolique de la couleur et la vitalité de la nature.
Contexte
Van Gogh s'installe à Arles en février 1888, attiré par la lumière du sud de la France qu'il espérait comparable à celle du Japon, dont il admirait les estampes. Rêvant de fonder une communauté d'artistes, il invite Gauguin à le rejoindre. Durant l'été et l'automne 1888, il entreprend une série de peintures de tournesols pour orner la pièce destinée à son ami. Il écrit à son frère Théo : 'Je pense à décorer mon atelier avec une demi-douzaine de tableaux de Tournesols. Une décoration où les chromes crus ou brisés éclateront sur divers fonds.' Ce projet s'inscrit dans sa période arlésienne, marquée par une productivité frénétique et une maîtrise grandissante de la couleur.
Description
La version de la National Gallery de Londres (F454) montre quinze tournesols dans un vase simple, posé sur une table. Les fleurs sont à différents stades de vie : certaines sont pleinement épanouies, d'autres en bouton, et d'autres déjà fanées, leurs têtes lourdes penchées. Van Gogh utilise une palette presque monochrome, exploitant toutes les nuances du jaune, du citron pâle à l'ocre orangé, contrastant avec des touches de bleu-vert et de brun pour les centres des fleurs et la table. La touche est épaisse, vigoureuse et texturée (impasto), créant un relief palpable. Les pétales et les feuilles sont esquissés par des coups de pinceau courbes et énergiques qui donnent une sensation de mouvement et de vie organique. Le fond, d'un jaune uni et plat, élimine toute profondeur illusionniste et concentre toute l'attention sur les formes et les couleurs des fleurs.
Analyse
Van Gogh transcende la nature morte traditionnelle. Les tournesols ne sont pas représentés pour leur beauté décorative, mais comme des êtres chargés d'une présence presque humaine, symbolisant la gratitude, la loyauté et la lumière solaire. L'usage obsessionnel du jaune est à la fois un hommage à la lumière méridionale et un vecteur d'émotion pure ; le jaune représente pour lui la joie, l'amitié et l'espoir. La composition, bien que centrée, est dynamisée par les directions contradictoires des tiges et des fleurs. L'absence de contour net et la fusion des formes créent une vibration optique. Cette œuvre illustre le passage de van Gogh d'une approche impressionniste de la lumière à une approche symboliste et expressive de la couleur, où celle-ci devient le sujet principal, capable de communiquer des états d'âme directement au spectateur.
Histoire
Van Gogh a réalisé cinq grandes versions des tournesols dans un vase. Les deux premières (fond jaune, comme celle de Londres, et fond bleu turquoise) étaient destinées à la chambre de Gauguin. Gauguin, arrivé en octobre 1888, les admira et en acquit même une (probablement la version sur fond jaune aujourd'hui perdue ou détruite). Après le départ tragique de Gauguin et l'épisode de l'oreille coupée en décembre 1888, van Gogh peignit trois répliques en janvier 1889, dont une aujourd'hui au Van Gogh Museum d'Amsterdam (fond jaune) et une autre à la Neue Pinakothek de Munich (fond jaune). La version de Londres a été achetée par la National Gallery en 1924. Ces œuvres, peu appréciées du vivant de l'artiste, sont devenues au XXe siècle des icônes mondiales, reproduites à l'infini, et sont parmi les peintures les plus précieuses au monde.
Influence
Les 'Tournesols' ont eu une influence considérable sur l'art du XXe siècle. Ils ont inspiré les Fauves (comme Derain et Vlaminck) dans leur libération de la couleur, et les Expressionnistes allemands dans leur usage de l'art comme cri intérieur. La série est devenue un symbole universel d'optimisme et de résilience, mais aussi de la figure de l'artiste maudit. Elle a profondément marqué la culture populaire, du design à la publicité. D'un point de vue artistique, elle a contribué à émanciper la nature morte de son statut inférieur pour en faire un genre capable d'exprimer les conceptions les plus profondes de l'artiste. Aujourd'hui, elle reste une référence absolue dans l'histoire de la peinture, incarnant le pouvoir de transformation de la couleur et la quête de la beauté dans l'ordinaire.
